зачем картинам названия книга
Зачем картинам названия книга
Как научиться читать язык картин и стать ценителем живописи
Кто они такие — любители живописи
Бывая на художественных выставках, многие из нас видели людей, застывших, будто в ожидании, перед какой-нибудь картиной. С первого взгляда это кажется смешным. Что, действительно, можно так долго разглядывать? И вообще, как говорится в известном анекдоте, зачем смотреть на то, как люди « в древности» без « Полароида» мучились? Да, темп жизни постоянно возрастает, и люди, для того чтобы успеть за временем, все больше становятся прагматиками, оценивающими все, что их окружает, с точки зрения вложений и прибыли. Конечно, любуясь картиной, никакой материальной выгоды Вы не получите. Однако если внимательно приглядеться, можно заметить поразительную связь между зрителями и самой картиной: их лица озаряются идущим от полотна неведомым светом, как будто они попадают под действие загадочной ауры картины.
Живопись — это особый мир, дверь в который всегда открыта, но войти туда может не каждый. Знания, которые несут картины, это не та информация, к которой мы все привыкли, не те сведения, которые мы получаем в школе, и не тот поток фактических данных, который обрушивается на нас каждый день из средств массовой информации. Это духовные знания. Осознание их приходит постепенно — по мере того, как зритель, шаг за шагом, обретает готовность приобщиться к духовному опыту. Поэтому выдвинутый когда-то большевиками лозунг: «Искусство — в массы» в корне неверен. Искусство ничего не может дать массам, если массы не готовы дать искусству что-то взамен. И в этом смысле искусство — элитарно. Однако оно не закрыто для пытливых и страждущих, и всегда готово встретить вновь прибывшего, чтобы, взяв его тихонечко за руку, провести затем по тропе познания в мир простых истин. Нельзя сказать об этом лучше, чем когда-то сказал Ю. Визбор о мире музыки: «Какая музыка была, какая музыка звучала. Она совсем не поучала, а лишь тихонечко звала. Звала добро считать добром, и хлеб считать благодеяньем, страданье вылечить страданьем, а душу греть вином или огнем.».
Как художник воплощает в картине свои идеи
Глаза нас частенько подводят. Вот и в живописи изображенное на картине далеко не всегда равнозначно тому, что хотел сказать автор. Да, любителям телевизионных программ, обожающим смотреть красивые картинки, лежа на диване, это не понравится. Прибегая к использованию техники живописи, художник передает свои мысли и чувства через некий информационный код.
Во-первых, автор ( будь то автор художественного произведения или какого-либо еще) всегда выступает « заложником» своего времени. Поэтому идея картины обязательно имеет « привязку» к исторической эпохе, в которой творил художник. Так, например, в средневековой живописи изображение человеческого тела и всего, что с ним связано, считалось греховным. Поэтому неподготовленный человек, глядя на эти полотна в свете сегодняшних представлений, решит, что это какой-то « детский рисунок» и, не затронутый увиденным, пройдет мимо.
Во-вторых, — это код самого послания автора. Формулируя свою идею, художник старается излагать ее на языке живописи, пользуясь законами изобразительного искусства, главным из которых является закон композиции. Кроме языка законов построения изображения, у живописи есть еще и другой язык. Со Средних веков — когда живопись тяготела к иносказательной интерпретации предметов — в изобразительном искусстве выработался язык символов, используя который автор мог уложить свою идею в строгие рамки разрешенных сюжетов. Этот язык получил свое дальнейшее развитие в 17−18 веках, когда для создания картин часто использовались сцены из древних мифов.
В-третьих, сознательный выбор разнообразных художественных приемов формирует у художника неповторимый « почерк», зная который, легко можно установить авторство неизвестных произведений.
Зачем же нужны все эти « коды», неужели нельзя просто взять и нарисовать то, что больше всего понравилось, чтобы все поняли, как это действительно красиво. К сожалению, наука пока не может ответить на этот вопрос. Дело в том, что эта проблема напрямую связана с проблемой происхождения языка. Мы не знаем, почему люди постепенно перешли на условный язык общения, отказавшись от языка жестов и животных криков. Можно только предположить, что это было как-то связано с развитием культуры. И хотя дух реализма в современной культуре, как видно, возобладал, мне кажется, что, так или иначе, авторы реалистичных картин всегда переходят на язык « тайнописи» или же уходят в примитивизм.
Основные законы живописи
Можно облегчить себе восприятие картины, обратившись к основным законам живописи, посредством которых художник общается с нами, переводя на холст свои мысли и чувства. Главный закон живописи — создание правильной композиции, уравновешение различных частей картины. Основная функция композиции — привлечение внимания зрителей к главному объекту, передача игрой форм, линий и красок определенного душевного настроя.
Так, например, строгие прямые линии хорошо передают вес и объем, придают формам законченность и совершенство, рождают ощущение гармонии, душевного спокойствия. Совершенство форм подразумевает использование чистых насыщенных цветов. Картина становится « звучной». Так, например, очень « звучные» картины у Н.Рериха. Хорошо знали этот прием иконописцы; прекрасно удавалось передать « звучание» красок Феофану Греку.
Напротив, изогнутые линии рождают в душе ощущение движения, изменчивости. Так, например, петляющая дорога в голубой дымке на заднем плане картины Леонардо да Винчи « Мона Лиза» создает ощущение зыбкости, мимолетности, легкой невесомости самого портрета. Очень часто художники использовали задний план для того, чтобы подчеркнуть умонастроение персонажа картины и сообщить зрителю определенную эмоцию. Распространен был подобный прием в написании парадных портретов.
Далее, у картины всегда есть точка зрения — то положение, с которого автор показывает нам объект. Она напрямую связана с законами построения перспективы, т.к. является точкой схода параллельных линий изображенных предметов. Существует несколько видов перспективы. Наиболее распространенные — это обычная прямая перспектива ( с точкой схода, расположенной за объектом), показывающая уменьшение размеров предметов по мере удаления от глаз наблюдателя, и обратная перспектива ( точка схода находится впереди объекта), предметы в которой по мере удаления от наблюдателя увеличиваются. В иконописи художники часто прибегали к использованию обратной перспективы для того, чтобы подобным образом воплотить идею о приближении далеких идеалов. Точка схода позволяет художникам, как бы играя пространством, привлекать внимание зрителя к наиболее значащим объектам и планам картины. Например, в картине Леонардо да Винчи « Тайная вечеря», мы легко можем определить композиционный центр, благодаря точке схода перспективы изображения, расположенной сразу за Христом.
Большое значение в восприятии картины имеет линия горизонта. Линия горизонта позволяет передавать масштаб изображаемых событий в соответствии с умозрительным восприятием художника. Например, линия горизонта, расположенная в нижней части картины, может рождать ощущение причастности к действию, тогда как, напротив, находясь в верхней части полотна, она заставляет нас оценивать изображенное на картине с «высоты птичьего полета».
Кроме гармонии линий и форм в картине еще должна присутствовать гармония света и цвета. Световые пятна применяются для придания картине эмоционального напряжения, перерастающего в определенный мысленный настрой. Действие этого эффекта объясняется концентрацией внимания зрителей на наиболее важных, значимых деталях картины. Прекрасно умели работать со светом Тициан, Рембрандт, К. Брюллов, И.Куинджи. Например, на картине И. Куинджи « Лунная ночь на Днепре» мы видим только два ярких световых пятна посреди непроглядной ночи — луну и узкую полоску воды под ней. Такой световой контраст рождает в душе чувство спокойствия и умиротворения. Подобные световые контрасты широко используются и в портретах. Прекрасный пример тому — «Портрет мужчины в красном» кисти Рембрандта или « Достоевского» В. Перова. В них световые акценты на лице и на кистях рук рождают ощущение погруженности в размышления, внутренней силы персонажа.
Цветопередача картины преследует ту же цель, что и световые акценты, — привлекать внимание зрителя к наиболее значимым деталям произведения. Контраст цветов руководит избирательностью восприятия. В первую очередь взгляд выхватывает наиболее яркие цвета картины, а затем невольно переходит на фрагменты, контрастирующие этому цвету. Если внимательно посмотреть на картину, можно заметить, что цветовые контрасты располагаются вокруг композиционного центра, таким образом, создавая на нем дополнительный акцент. Кроме этого, они рождают ощущение внутреннего движения, картина как бы оживает, перестает быть статичной.
Композиционные законы живописи являются хорошей иллюстрацией закона диалектики о борьбе и единстве противоположностей. Вся композиция картины строится на единстве и контрасте объекта и фона, линий и форм, света и цвета. Объединяя эти разные элементы, противопоставляя их другим группам композиции, автор делает картину более емкой и многозначной.
Зорко одно лишь сердце
Картина — это книга, но не старайтесь сразу найти в ней последний лист с содержанием. Картина — это та же пещера Али-Бабы, откуда можно взять лишь столько золота, сколько можно унести за один раз. Но к картине можно всегда вернуться, когда духовные силы вновь потребуют насыщения. Ведь даже приходя на выставку в разном настроении, можно получить разное восприятие картины.
Одну и ту же картину люди могут воспринимать по-разному. Достаточно только вспомнить неутихающие дискуссии на тему « Моны Лизы», чтобы понять это. Одной из восхитительных особенностей живописи является то, что она способна породить бесчисленное число многослойных реакций восприятия, и, одновременно, выявить « общий знаменатель», — тот важный смысл, заложенный в основу картины, — который понимают и видят все.
Живопись всегда будет напоминать нам о том, что, как говорил Лис в романе А. Сент-Экзюпри « Маленький принц»: «…зорко одно лишь сердце. Самого главного глазами не увидишь». И, может, действительно, только благодаря искусству, в один прекрасный момент мир будет спасен.
Зачем картинам названия книга
Зачем человеку искусство? Чтобы узнавать новое, расширять кругозор… Да, безусловно. Но также искусство пробуждает в нас что-то такое, от чего хочется радоваться, плакать удивляться или кричать. Оно заставляет размышлять. И смотреть на мир другими глазами.
Правда, иногда разгадать его секреты не так-то просто. Какой глубокий смысл этого полотна? И, простите, но что изображено на вот этом холсте? Выход есть — погружение в историю искусства. Дана Арнольд написала об этом целую книгу. Она рассказала, как «читать» художественные произведения и что вообще всё это значит.
6 ингредиентов искусства
Дана Арнольд — настоящий гуру в искусстве. Она преподаёт в Мидлсекском университете, написала множество книг по истории и архитектуре. Свою новую книгу «Говорит и показывает искусство» она разделила на 6 больших глав: взгляд, материал, сознание, верность, власть и гендер. Каждая открывает новый ракурс, с которого можно рассмотреть шедевры искусства.
Иллюстраций в книге «Говорит и показывает искусство» немного: только самые значимые
При этом «Говорит и показывает искусство» вовсе не справочник. Тут больше слов, чем картинок: только самые важные иллюстрации и полезные мысли, примеры и рассуждения. Настоящий путеводитель по миру художников и скульпторов.
Книга дарит музейное вдохновение: вам тут же захочется посетить галерею или прогуляться по виртуальным залам выставки, чтобы увидеть великие произведения воочию.
Шок новизны
Иногда непросто вынести эстетическое суждение. Красива эта картина или нет? Какой смысл она скрывает? И для чего она нужна, если зритель не может её понять? История знает массу примеров того, как искусство вызывало общественный гнев или отторжение. Такой была первая реакция на «Голову быка» Пикассо. Сегодня уже никто не сомневается в том, что эта работа ценна. Но тогда она вызвала неоднозначную реакцию.
Как-то Пикассо заметил в углу сиденье и руль велосипеда. Он соединил эти предметы, и появилась «Голова быка»
На этот вопрос когда-то ответил Иммануил Кант. Он утверждал, что такие произведения заставляют нас мыслить и рассуждать. И понятие прекрасного постепенно расширяется! А это, в свою очередь, медленно, но верно меняет общественное мнение. Ух, вот это взаимосвязь.
Живопись или скульптура?
Еще одна тема для дискуссий — выбор направления. Леонардо да Винчи писал, что живопись — высочайшее из искусств. При этом он скептически относился к скульптуре и считал неподобающим пот, неизбежный при напряженной работе молотом. Тяжёлый физический труд, по мнению художника, умаляет интеллектуальную составляющую в искусстве.
«Хит» Леонардо да Винчи — «Портрет госпожи Лизы Джокондо. Мона Лиза»
В отличие от него Микеланджело любил работать физически. Он сам выбирал куски мрамора и двигался всё время в одном направлении — вперёд, а не отсекая куски со всех сторон.
Дали и психоанализ
В XX веке искусство ещё больше стали связывать с человеческой психикой. Работы художника воспринимали как зеркало, которое отражает внутренний мир мастера. Заглянуть в них — приоткрыть завесу бессознательного, увидеть его переживания, чувства и игру воображения.
Один из самых неординарных художников, который «вытаскивал» сюжеты из своего подсознания, — Сальвадор Дали. Он был увлечен темой галлюцинаций и иллюзий, поэтому многие его картины часто обескураживают зрителя. Вот, например, «Метаморфозы Нарцисса». Что вы здесь видите? 🙂
Как-то Дали показал Фрейду «Нарцисса» и свою статью о паранойе. Тот загорелся выяснить с помощью психоанализа, «где берут истоки картинки вроде этой».
Дали написал её в соответствии с параноидально-критическим методом. «Если какое-то время с небольшого расстояния пристально смотреть на гипнотически неподвижную фигуру Нарцисса на картине, то она начнет исчезать, пока не станет совсем невидимой», — писал художник. Попробуйте.
Что ещё в книге
«Говорит и показывает искусство» — объёмное, глубокое и невероятно увлекательное путешествие в мир художников, скульпторов и архитекторов. Автор проводит тонкие ниточки между разными эпохами и показывает, как созвучны голоса художников в разное время. А ещё исследует, как люди смотрят на произведения искусств и что в них видят.
Ещё вы найдёте в книге много занятного и любопытного:
Искусство — целая Вселенная. Завораживающая. Непознанная. Бескрайняя. Его изучение похоже на космический полёт: от планеты импрессионистов до созвездия сюрреалистов, от кометы Вермеера до астероида Хёрста. Так что пристегнитесь, улыбнитесь и в путь! Навстречу прекрасному: сквозь время, оттенки и сюжеты.
Почему рядом с именем художника иногда стоит знак вопроса и как разобраться в терминах на подписях к картинам
Вопрос, что написать на маленькой табличке под картиной, не так прост, как кажется на первый взгляд. Кого считать автором – того лишь художника, кто выполнил всю работу, не прибегая к посторонней помощи? А если он просил коллегу-пейзажиста приложить руку к произведению? Отдал завершить картину своим подмастерьям? Внес важные улучшения в работу ученика? Часто фамилию мастера можно увидеть даже под картиной, которую он ни разу не видел, более того, которая могла быть написана спустя многие годы после его смерти.
Зачем нужна атрибуция картин
Не случайно отдельную категорию книжных бестселлеров и снятых по ним фильмов составляют истории о поиске доказательств принадлежности картин великим художникам. Здесь есть где развернуться: долгие века человечество копило как шедевры, так и произведения куда скромнее по значимости. За пять последних веков были написаны тысячи и тысячи картин, зачастую не имеющие указания на автора либо намеренно вводящие ценителей живописи в заблуждение. Только в Нидерландах XVII века, помимо Рембрандта, Вермеера, Ливенса и прочих великих мастеров работали еще несколько тысяч живописцев, в большинстве своем не известных современным исследователям.
Часто удачный холст прославленного мастера копировали ученики в его же собственной мастерской – это сулило прибыли. Но и те, кто не имел отношения к ближайшим ученикам, находили возможности воспользоваться известным именем. Художник Камиль Коро сам с удовольствием ставил автограф на понравившейся ему чужой картине – чтобы помочь выручить за нее большую сумму. Что уж говорить о тех, кто не спрашивал согласия мастера числиться создателем неизвестного ему произведения.
Неизвестный художник. Неизвестная женщина, возможно, немецкая принцесса
Для рядового ценителя живописи вопросы подлинности авторства, может быть, не особенно важны – всегда остается возможность руководствоваться критерием «нравится – не нравится». Совсем другое дело – музеи: от того, кого признают создателем картины, зависит, размещаться ли ей на видном месте в залах экспозиции или проводить годы и десятилетия в запасниках. И уж совсем принципиально знать о статусе произведения частным коллекционерам и галереям: предметы искусства – это товар, и один-единственный знак вопроса после фамилии художника существенно влияет на цену этого товара.
Бывает и так, что безвестная картина, проходившая раньше под неопределенным названием «неизвестный художник», в результате проведенных исследований оказывается произведением знаменитого живописца. О таком открытии, само собой, мечтают все коллекционеры и все историки искусства.
Что пишут на табличках под картинами
Джордж Доу и мастерская. Портрет Бориса Яковлевича Княжнина
На музейных табличках под картинами порой можно увидеть не просто имя художника, а указание на его мастерскую, учеников, либо вообще знак вопроса после фамилии. Если под произведением живописи или графики значится только имя – это означает, что с большой вероятностью произведение создано именно этим художником, либо же картина хранится в музее давно и вопросами ее атрибуции исследователи еще не занимались, а автор указан «по старинке».
Иногда рядом с именем художника стоит вопросительный знак, так делают в случаях, когда фактических свидетельств для признания этого мастера создателем произведения недостаточно или если владелец картины занимается переводом ее в статус признанных работ этого художника, а это небыстрый процесс. Встречается вариант «приписывается художнику», то есть мнения исследователей разделились, и нельзя ни подтвердить, ни опровергнуть версии о принадлежности картины кисти именно этого мастера.
Вмноград в корзине. Приписывается Питеру де Рингу
Порой в создании картины принимают участие несколько художников – часть работы может выполнить пейзажист или, наоборот, портретист. Нередки случаи, когда живописец создавал произведение вместе с учениками своей мастерской, в таком случае под картиной пишут – «художник и мастерская». Такой вывод делают по наличию странных фрагментов, не свойственных обычной манере художника – то есть, по всей видимости, работу частично выполнял кто-то из подмастерьев. Активное участие самого художника в таких случаях считается установленным.
Другое дело, если под картиной значится «Мастерская художника» или «Школа художника». В этом случае подразумевается, что работа выполнена именно подмастерьями, причем нельзя установить, кем именно; сам мастер мог внести исправления, улучшить какую-то деталь произведения. Порой качественно исполненные работы учеников мастера подписывали своим именем – это позволяло выручить при продаже картины значительно больше денег. Историкам искусства в этих случаях приходится непросто – дискуссии о том, кого считать автором, могут длиться десятилетиями и ни к чему не вести, настолько спорным становится вопрос.
Круг Аньоло Бронзино. Портрет герцога Алессандро де Медичи
На значительно большем «удалении» от мастера находятся картины, подписанные словами «круг художника». Это возможно в отношении произведений, которые написаны не учениками, а самостоятельными художниками, связанными общением, творчеством с окружением мастера. Слово «круг» предполагает, что настоящий автор картины жил в тот же период, что и сам мастер, на которого ссылаются.
Последователь Леонардо да Винчи. Ангел
Даже тогда, когда выясняется, что именитый живописец не имеет практически никакого отношения к произведению, его имя не спешат убирать с таблички. Оно и понятно, ведь одно дело упомянуть «неизвестного художника XVII века» и совсем другое – «стиль» или «манеру Рембрандта». Иногда формулировка другая – «последователь художника». Все эти варианты говорят о том, что написавший картину не был ни учеником мастера, ни принадлежал к его окружению, возможно, он даже жил спустя десятилетия и даже века после того, о ком упоминает табличка.
Исследование картин Рембрандта и неприятные открытия
Мастерская Рембрандта. Портрет матери Рембрандта
О том, как происходит установление авторства художественных произведений, можно составить представление по работе, которая была проделана в отношении картин Рембрандта. Его творения всегда пользовались большим спросом, а, соответственно, и предложений на рынке произведений живописи было достаточно. К двадцатому веку приписываемых Рембрандту работ насчитывалось несколько тысяч – они были выставлены в музеях, украшали собой частные коллекции, становились объектом аукционных торгов, выставлялись в галереях.
Рембрандт. Артаксеркс, Аман и Эсфирь
В 1968 году в Голландии возник исследовательский проект «Рембрандт», куда вошли специалисты по творчеству этого художника. Они проделали серьезную многолетнюю работу по изучению всех картин, претендовавших на звание рембрандтовских шедевров, по результатам исследований в 1982 году был выпущен первый каталог. Для установления авторства использовались документы из архивов, иногда – художественные произведения, изучались гравюры с картин, проводились экспертизы красок и холста. Впоследствии состав группы менялся, а в свет выходили новые каталоги, последний из них – в 2014 году. Согласно этому изданию, в мире насчитывается 346 картин Рембрандта.
В список не попали несколько шедевров из крупных музеев, в частности, «Мужчина в золотом шлеме» из Берлинской картинной галереи. Исследования экспертов исключили возможность того, что это произведение написано Рембрандтом. Теперь оно определяется как созданное «кругом Рембрандта».
Круг Рембрандта. Мужчина в золотом шлеме
Из собрания ГМИИ имени Пушкина в Москве работами мастера признаны лишь три, а среди коллекции Эрмитажа – четырнадцать, а еще шесть картин, ранее считавшихся принадлежащими кисти Рембрандта, были отвергнуты. Разумеется, для музеев такое развенчание произведений из шедевров великих художников в проходные работы малоизвестных или неизвестных его последователей становится новостью неприятной; иногда такое решение экспертов музеем не признается.
Школа П.П. Рубенса. Пир Ирода
Насколько достоверными являются заключения специалистов? По всей видимости, ошибок исключить нельзя, как нельзя и отрицать столкновения разных интересов, в первую очередь финансовых, в вопросах, касающихся авторства картин. Нельзя забывать о том, что работа специалистов по истории искусства – дело долгое, кропотливое, довольно дорогостоящее, и если обеспечивать их труд берется меценат и владелец коллекции предметов живописи, можно ли в таком случае говорить о полной объективности исследований?
Понравилась статья? Подпишитесь на канал, чтобы быть в курсе самых интересных материалов